Tony Oursler
Faro a la vista

Decía Einstein que, para estimular su mente científica, pensaba un rato al día de forma opuesta a los demás. Tony Oursler (Nueva York, 1957), con sus instalaciones basadas en efectos lumínicos y que a menudo estudian el lenguaje, a veces son poéticas y siempre llamativas, nos invita a olvidar lo real, a reinventarlo. Formado en el California Institute of Arts, es un habitual del Pompidou de París, el MOMA de Nueva York o la galería Soledad Lorenzo en España. Nuestro país, dice, “siempre me ha resultado inspirador”.

Tituló una de sus exposiciones retrospectivas Odio la oscuridad, amo la luz porque... Al final de los 90, no había una historia del arte que nos reflejase a los artistas multimedia, e hice una historia de lo que llamo tecnología virtual o mimética, de la cámara oscura y el arco iris hasta Internet, basada en una codificación arquetípica: a los inventos se les suele dar connotaciones malignas, de magia negra.
¿Sus instalaciones se basan en las nuevas tecnologías por exigencia de los tiempos que corren? Una instalación es como un sustituto de la realidad, y en cien años se verá en esta época el arranque de muchas posibilidades miméticas artísticas. Un artista debe reflejar su mundo.
Se inspira en lo que llama “pop personal”: la suma de prensa sensacionalista, experiencias personales y experiencias en el supermercado. Trato de mantenerme en el día a día, en lo vernáculo, porque es todo lo que tenemos ¿no?

Ha dedicado obras a la alienación, a la manipulación de los medios y a los desarreglos psíquicos. ¿El arte tiene que estar comprometido socialmente? Lo mejor del arte es que te hace soñar. Pero el sueño tiene relación con la realidad. Mi arte es el reflejo de mis intereses en un momento dado, que espero que la gente comparta. Pero no me confunda con un intelectual o un periódico o un científico, no soy más que un simple artista y nunca intentaría decirle a la gente qué debe pensar.
¿Simbolizan algo las luces parlantes que protagonizan obras suyas como Streetlight? Mi abuelo decía que si una luz parpadeaba, alguien de otra dimensión le hablaba. Las creé años después, en una interpretación reduccionista de los medios de comunicación, cuyos componentes principales son el sonido y la luz, mediatizados por la palabra. Además conectan con los espectáculos clásicos de luz y sonido (Lumière).
¿Cualquiera puede captar el significado de sus obras, p.e. de Composite Still Life, ojos incorpóreos con imágenes televisivas reflejadas? No hay un significado único en el arte. El cuadro de tu casa parece que cambia aunque físicamente permanece igual: es tu mente lo que varía, algo de lo que se aprovecha el arte. Hay significados obvios (ese ojo es una evaluación triste de nuestra época), pero sólo son un comienzo; si el arte es bueno, la gente dialogará con él.
¿En el mercado hay tanto interés comercial por artistas digitales, como usted, como por los tradicionales? No.
Salvo excepciones como su obra The Poetic Project: 1977-1997, que presentó en un peculiar emplazamiento arquitectónico, expone en los espacios tradicionales del arte (galerías, museos...). ¿Son los más apropiados para sus instalaciones? Me gusta el contraste entre el arte tradicional, y la forma de presentarlo, y las nuevas obras videográficas. Al hablar de instalaciones, Sun Ra dijo: “space is the place”.
Es neoyorquino. ¿Los artistas de países con peso en el mercado artístico internacional juegan con ventaja sobre artistas de países que no lo tienen? He oído hablar de buenos programas europeos de ayuda a jóvenes artistas, pero el gobierno de EEUU apenas apoya el arte. NY puede ser un buen mercado pero puede no ser el mejor lugar para que alguien joven trabaje.
A raíz de que la Unión Europea se negase recientemente a clasificar como arte varias obras de Dan Flavin y Bill Viola, las importaciones extracomunitarias de obras de vídeo y esculturas de luz están gravadas en Reino Unido con el IVA máximo (allí es un 20%), en lugar de con el 5% con el que gravan las obras de arte. ¿Qué le parece? La relación entre gobierno y arte es con cierta frecuencia un problema. Europa ha estado siempre más comprometida con el arte contemporáneo y el trabajo experimental que el gobierno de Estados Unidos, que tiene una relación muy distante con las artes. Así que esta decisión es un poco alarmante, odio pensar que la Unión Europea esté retrocediendo.
¿Qué se trae entre manos? Un proyecto a tres escalas: la 1ª, desarrollada en Internet para el Adobe Museum of Digital Media, relaciona con la robótica las teorías psicológicas de lo siniestro de Jentsch y Freud. La 2ª se basa en proyectores diminutos, con los que trabajo al tamaño de un puño. La tercera es una proyección en el paisaje de un parque de Oslo.
Trabaja con luz artificial. ¿Tiene algo contra la natural? Estoy trabajando en proyectos nuevos combinando luz natural con luz artificial. El vídeo y la luz del sol están en mi futuro.

Texto: Paloma F. Fidalgo. Imagen: Eyes, 2010, Faurschau Gallery, Beijing (China) / en sumario: Turing test, 2010, Lehmann Maupin Gallery, Nueva York